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Casse-tête Bordelais

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(cc) Coline Portet (28/01/2015)

Observant mes trois photos différentes, j’ai commencé par découper les images en petites bandes égales que j’ai collés les unes à la suite des autres, toujours dans le même ordre. Ce processus avait pour but de créer une histoire commune et ainsi de faire naître un point commun entre ces photos sans en laisser une prendre le pas sur l’autre. Les récits photographiques ainsi imbriqués forment donc une nouvelle histoire basée sur les trois autres. Suite à cette première base de travail j’ai décidé d’ajouter à ma photo l’élément le plus important de chacune de mes photographies afin de les confronter d’avantage dans les détails. J’ai choisis de prendre une fleur, un parapluie et mon visage effacé. Ces éléments m’ont permit de mêler les intentions et les sentiments inscrits dans chacune de mes trois photos que je souhaitais garder. Déjà flou j’ai ajouté de la transparence à mon visage pour qu’il apparaisse encore plus étrange et brouillon devenant ainsi énigmatique à l’image de la photo d’origine. J’ai agrandit la fleur qui était petite afin de dévoiler le côté intime de l’image de base. Puis j’ai collé le parapluie en haut à droite de la photo car cet élément est pour moi assez paradoxal. Il annonce une menace et est à la fois protecteur et rassurant. Ce côté paradoxal est l’esprit même qui ressort de la photo d’origine illustrant le passage de l’enfance au monde adulte.

En créant ce montage photo je me suis rendue compte qu’il y avait plus de temporalité que je ne le pensais. En plus des trois histoires individuelles et de l’histoire commune, les morceaux de photos qui se suivent en ligne font naître plusieurs dimensions à la photo et plusieurs grilles de lecture. On peut se concentrer sur l’une des trois photos d’origine en faisant abstraction des deux autres. Elles sont toutes aussi visibles, c’est à notre œil de choisir d’en visualiser une en particulier à chaque nouvelle vision. Ce caractère singulier permet aussi à la photo de montrer l’illusion que permet de créer la photographie. On retrouve également d’autres aspects qui rendent hommage aux photos de base. L’illustration comporte des couleurs très vives et variées ce qui rappel l’atmosphère féerique et joyeux de la fête foraine, ma première photographie. De plus, mon visage parsemé de bout de photos rappel l’aspect intimiste d’un de mes trois clichés. Mes trois photographies dans un premier temps opposées forment une seule et même image représentative de ces trois dernières. En observant la photo, je me suis également rendue compte que l’image obtenue témoigne de mes recherches et de mes réflexions puisqu’on y voit mon visage inondé par mes trois photos découpées.

Cette enfance qui nous retient…

Cette enfance qui nous retient. (cc) Vincent Duquennoy (25/01/14)
Cette enfance qui nous retient. (cc) Vincent Duquennoy (25/01/14)

Ce sont nos souvenirs qui nous maintiennent en enfance, telle est l’idée que veut montrer cette photo, donnant l’illusion de me faire étrangler par le cowboy Woody. Ce personnage n’a pas été utilisé au hasard, car le film « Toy Story » des studios Pixar représente bien cette idée à travers cette bande de jouets qui ne veulent pas être oublié par leur propriétaire. Personnellement, ce jouet compte beaucoup pour moi car il m’a été offert lorsque j’étais enfant et j’ai tout fait pour le conserver afin de me souvenir de cette époque. Même le tee-shirt représentant le logo du groupe de rock The Who illustre cette époque, car mon père les écoutait souvent avec plaisir, même encore aujourd’hui.

Pour réaliser ce montage, il s’agit là d’une simple illusion d’optique de taille, donnant l’impression que Woody est plus grand et me surplombe pour renforcer un côté dominateur. Pour cela, le jouet a simplement été surélevé par rapport à moi-même, et un fil a servi à lui tendre le bras, pour donner cette impression d’étranglement. Même la taille des ombres sur le mur sont là afin de renforcer cet aspect. Aucun effet ou filtre particulier n’a été utilisé sur cette photo, et pour finir, le drap bleu du fond peut faire penser à une sorte de cabane, afin d’appuyer l’aspect désordre que peut avoir une chambre d’enfants.

Si on devait caractériser cette image, on pourrait faire référence au syndrome de Peter Pan, cette expression utilisée pour désigner l’angoisse liée à l’idée de devenir un adulte, ainsi que le désir associé de rester enfant, en référence au personnage éponyme du garçon qui ne voulait pas grandir. Nous avons tous peur du temps qui passe, et donc de vieillir, et les jouets que nous avons conservés nous rappellent qui nous étions. Il s’agit d’une peur que nous devons accepter et avec laquelle nous devons apprendre à vivre , même si certains jours, on aurait bien envie de se glisser à nouveau dans la peau de l’enfant que nous étions, afin de profiter à nouveau de tous nos anciens jeux en toute insouciance.

Vincent DUQUENNOY

Que la lumière soit !

(cc) Soline Testard (26/01/2014)
(cc) Soline Testard (26/01/2014)

Lorsque j’ai entendu la phrase de Méliès, le light painting s’est avéré aussitôt être une évidence. C’était là l’occasion d’utiliser cette technique que je rêvais d’appliquer sans jamais prendre le temps de tester mes idées. Reproduire sur une image fixe la décomposition d’un mouvement offrant ainsi une toute autre vision de la réalité… de la vraie magie !

Pour réaliser cette photo j’ai attendu la nuit pour être dans l’obscurité, puis j’ai éteint toutes les lumières à l’exception de mes rideaux de leds que j’ai mis en boule pour créer cet effet de faisceaux lumineux. Très vite je me suis rendue compte que mes photos étaient floues, alors j’ai rajouté une lumière de fond et j’ai dirigé une lampe en direction de mon visage et une autre sur mon bras pour que ces zones soient nettes. Ma focale était courte, mon diaphragme fermée, la sensibilité à 100 iso et ma vitesse d’obturation à 20 secondes. Pour m’aider, un ami tenait le câble d’alimentation du rideau de leds au dessus de moi et le faisait tournoyer pour créer ce tourbillon lumineux.

L’objectif premier de cette photographie était de créer une forme floue et ronde avec les leds mais j’ai décidé de garder celle-ci car je trouve cet effet bien plus intéressant. Partant de mes mains pour mourir dans l’air, on dirait une petite tornade qui prend de l’ampleur, et on l’imagine continuer de grossir pour imposer de son éclatante beauté. Aussi, le fait d’avoir orienté la lumière de manière précise offre un résultat étonnant mettant en avant les zones éclairées, permettant de ne pas être totalement éclipsée par ma création illuminée.

Soline TESTARD

Electro – gène

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(cc) Alexia DI CIOCCIO (26/01/2104)

Le corps, objet d’inspiration sans limite. Ses formes, ses courbes uniques et spéciales, intriguent et passionnent  notre œil. La peinture puis la photo n’ont eu de cesse de le représenter, afin d’en percer ses mystères. Cette enveloppe corporelle, qui est si chère à l’homme et gardienne de son âme. Le photographie est avant tout un moyen de rendre l’image intemporelle, de ce corps qui ne l’est pas et finira par disparaître. Il est une œuvre d’art changeante, offrant de multiples possibilités de le mettre en valeur, de le transformer, ou encore de le décorer.

L’idée de départ, a été de photographier et de mettre en valeur le corps. Pour cela, j’ai décidé de le décorer en peignant dessus des formes imaginaires. Le concept était le décorer comme n’importe quel autre objet, puis de le photographier. La photo permet de capturer une image, garder l’instant magique. J’ai aussi pensé au fait que notre apparence extérieure n’est rien sans ce qui se trouve à l’intérieur. Il fallait susciter  au regard l’envie de transpercer cette barrière, de regarder à l’intérieur. J’ai décidé pour cela, de représenter un électrocardiogramme avec la technique du light painting, qui consiste à créer une forme dans l’espace, par un mouvement avec de la lumière. Afin de réaliser cet effet, j’ai réduit la vitesse d’obturation mais aussi l’ouverture  du diaphragme. La photo a été prise en intérieur avec deux sources de lumière faible mais suffisante pour éclairer la scène.

Il y a ici un contraste entre modernité et archaïsme. L’électrocardiogramme est la représentation de la technologie, les dessins « indigènes » « tribaux » sont eux la vision d’un monde primitif. Le ventre est à lui seul un symbole, dessiner dessus n’est pas anodin, surtout chez la femme. Il est le berceau de la vie, là où tout commence depuis la nuit des temps. La technologie avance sans cesse, pourtant le fondement même de notre existence repose sur une œuvre de la nature. Nul outil de pointe ne peut remplacer le ventre d’une femme afin de donner la vie.

Alexia DI CIOCCIO

Un instant magique

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(cc) Dorian D. (01/II/2014)

 

L’image est un reflet et Melies, précurseur incompris des effets spéciaux, lui a donné un caractère magique. Si les étymologies des termes image et magie sont radicalement différentes et donc que ces anagrammes ne sont que le fruit du hasard, il n’en est pas moins vrai que ces deux mots sont intimement liés. Avec le temps et les progrès apportés par l’avènement du numérique on parle aujourd’hui de la magie de l’image tant il est devenu courant de tromper le spectateur avec des images truquées, celui-ci étant absorbé, dévoré, par le miroir de lui-même. Grâce à un procédé en somme des plus simples, la voie de l’imaginaire est rendue accessible à chacun, qui y voit alors un montage ou image originale Science occulte qui permet d’obtenir des effets merveilleux à l’aide de moyens surnaturels, la magie fait appel au mystère, et rien n’est plus mystérieux qu’une image qui fige le temps.

La première difficulté fut de figer le mouvement de la goutte. J’ai donc opté pour une vitesse de 1/200eme de seconde et une ouverture à 5.3 pour 400 ISO. Afin de palier à l’absence de flash pour éviter les reflets dans l’eau, j’ai utilisé trois spots de studio, le rapport 1:1 en focale 90 mm nécessitant une grande quantité de lumière. Puis je m’en suis remis au mode rafale de mon appareil photo, pouvant ainsi saisir jusqu’à 8 image par seconde. Enfin, la réussite de la réfraction tient à l’ajustement de la distance entre le sujet et le fond, c’est bien là la gestion la plus difficile, dans laquelle excelle notamment le photographe Mark Reugels.

Une semaine plus tard… Je jette un regard sur ma photo et je m’aperçois avec le recul, que dans le développement de l’idée conceptualisée dans l’image, je n’ai pas pris en compte la fragilité de la colonne d’eau qui se forme sous une goutte qui tombe. Peut-on y voir une allégorie de la mince frontière qui sépare le résultat final du procédé qui l’a conduit? Ou peut-être est-ce la représentation du hasard qui, à une infime fraction de seconde près, aurait pu produire une toute autre image ? Il y a une interprétation pour chaque regard, et une pour chaque personne. Finalement, une goutte d’eau sur sa colonne, ça ne tient à rien…

Dorian D.