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L’instantané

L'instantané
(cc) Adélaïde Michel (7/12/2014)

J’étais enfant. Papa travaillait dans l’hôtellerie. Et tous les deux ans un schéma récurrent s’imposait à nous : mettre notre vie en boîte et tout reconstruire ailleurs. Les déménagements à répétition ont fait de moi quelqu’un d’assez instable. Je vis dans une sorte d’immédiateté assez déconcertante. Rarement tournée vers le passé, jamais vraiment orientée vers l’avenir, je n’ai pas de projets à long terme, pas d’idéal de devenir et peu de souvenirs en tête.  Depuis l’enfance, je fais ce rêve récurrent où je me retrouve dans une chambre vide et autour de moi flottent des souvenirs qui ne m’appartiennent plus. Et tandis que j’essaye d’en attraper un maximum, ils m’échappent tous, inévitablement.

Sur cette seule photographie, en réalité, quatre situations. Au premier plan, trois Polaroïds collés sur un miroir montrent une chambre à différents moments, gardant toujours le même angle de vue et le même cadrage. Le miroir sur lequel ils sont placés permet de refléter le reste de la chambre ; ce qu’il reste de la chambre, un lit vide et un carton. La mise au point faite sur les polaroids me permet de laisser apparaitre un second plan flou. Aucune bordure du miroir n’est apparente, donnant ainsi aux trois photos instantanées l’impression d’être suspendues dans le vide.

Et si le décor de la chambre évolue, nous ne savons pas exactement combien de temps peut séparer chaque cliché, instantané. Et ces polaroids sont là, flottants, comme dans mon imaginaire, renvoyant tour à tour l’image de ce qui a existé, ici, avant. Et ce miroir permet de renvoyer l’image de cette même chambre, à cet instant précis, maintenant. Vidée de toute présence et avec pour seuls accessoires un matelas nu et un carton de déménagement, probablement rempli, de souvenirs.

Adélaïde Michel

Poupée de cire, poupée de feu

(cc) Chloé Hernandez (11/02/2014)
(cc) Chloé Hernandez (11/02/2014)

En regardant le travail d’Alain Fleischer beaucoup d’interrogations me venaient en tête. La photographie conceptuelle gardait pour moi ses mystères. L’idée d’aborder la photographie sous cet angle m’inspirait et m’intriguait. Alain Fleischer utilisait des jouets dans quelques unes de ses œuvres, j’ai donc décidé de reprendre cet objet comme ligne conductrice entre nos travaux.  Mon choix se porta sur une ballerine, dont la possibilité des mouvements me semblait intéressante pour ma composition. J’imaginais le personnage les bras levés et la jambe jetée en arrière, de façon à jouer avec la géométrie des formes.  Concernant l’ambiance, le cadre dans lequel je souhaitais le placer, il me fallait une lumière douce et chaleureuse, presque intime. Quoi de mieux que des bougies ? Chandelles et chauffe-plat ont été placées en cercle autour de la danseuse. Je voulais jouer sur le temps de pause et profiter de l’effet de reproduction et de superposition que les flous de mouvements apportent, dans le but de susciter l’interrogation et amener un aspect mystérieux à la photographie.

Une fois mes éléments placés de façon assez géométrique sur mon support, j’ai installé mon reflex sur un trépied en plongé, plaçant le spectateur au dessus de la scène qui se déroule devant lui. L’unique source de lumière provenait de la lueur des bougies, pour garder cette volonté d’univers doux et préservé. Ma distance focale fixée à 55mm, j’ai basculé mon appareil en mode manuel, fermé au maximum mon diaphragme sur f/22 et réglé le temps de pause à trente secondes. Un temps véritablement long mais nécessaire pour la réalisation de mes envies. Toutes les dix secondes (ou presque), je me suis déplacée avec mon trépied et fait le tour de la table, jusqu’à que la photo se prenne. Les flous de mes mouvements donnaient une certaine allure à la lumière des bougies, qui se transformait en faisceaux lumineux, à la manière du light painting. Chaque changement d’angle de vue accentuait la multiplication des bougies mais aussi de la ballerine, qui apparaissait à différents endroits sur l’image. Cependant, la liaison des faisceaux lumineux semblait à force, créer trop de confusion à l’ensemble visuel. J’ai donc choisi, au lieu de déplacer l’appareil, de simplement faire pivoter l’axe horizontalement et de modifier le zoom pendant la prise de vue. Les rayons lumineux alors sont devenus plus ordonnés et géométriques. En modifiant les déplacements, l’image s’est structurée en accrochant le regard sur des lignes verticales et horizontales.

La photographie conceptuelle relève-t-elle toujours de la réflexion ? Pour ma part l’idée était là, mais je n’avais pas le résultat fini en tête. C’est en effectuant plusieurs clichés et modifiant mes intentions de départ que j’ai pu arriver à ce résultat. Les premières images reflétaient ma première pensée mais la confusion lumineuse commençait à nuire à la photographie. En choisissant de bouger l’angle de vue sans déplacer l’appareil, des mini espaces  géométriques se sont créées dans la photo. Une barrière de lumière, qui emprisonne la danseuse dans un espace limité de l’image. Le flou présent sur le bas de son corps lui donne un aspect fantomatique, telle une âme errante, suivant le chemin de lumière dessiné par les bougies.

Chloé Hernandez

Fantômes

(cc Gaylord Gauvrit 09/02/14)
(cc Gaylord Gauvrit 09/02/14)

La photo fige l’action pour immortaliser un instant de vie. Mais lorsque la vie s’arrête c’est la mort qui nous fige à jamais. Peut-être est-ce alors ma propre expérience de la mort, mon traumatisme face à ce corps figé qui m’a poussé vers l’image animée et l’interactivité. Comment alors redonner vie à l’image fixe et ainsi capturer l’action, la vie, l’animation ? Une problématique loin d’être contemporaine puisque c’est elle qui a mené les frères Lumières vers l’invention du cinéma.

Aujourd’hui je souhaite faire le chemin inverse. Capturer l’action cinématographique dans une unique photo. En fixant un espace comme référence visuelle et en superposant plusieurs instants, le temps pourra alors apparaître. J’ai donc choisi un plan fixe de cinéma que j’ai photographié en appliquant un long temps de pose. Par accumulation de segments, différents fantômes des personnages se sont alors imprimés, créant une illusion de mouvement. L’effet est renforcé par le décor et quelques accessoires qui ne bougent pas et permettent ainsi de figer l’espace pour mieux matérialiser le temps.

Cette image est un entre-deux. Fixe et animée elle est l’intersection entre la vie et la mort. Défigurant les personnages elle fait appel au souvenir du spectateur pour qu’il identifie la scène qui s’anime. Elle renforce ainsi l’impact de l’action sans pour autant avoir la force traumatisante de la vraie séquence, cette scène culte du viol dans Irréversible. Elle en résume pourtant l’essence et je pense qu’il serait intéressant de tester le concept sur d’autre séquence culte du cinéma. En améliorant le matériel de prise de vue et en projetant l’image sur grand écran, l’impact pourrais par ailleurs être renforcé.

Gaylord Gauvrit

Flou

2
(cc) Morgane Kerarvran (09/02/2013)

Tout a commencé alors que je prenais mon salon en photo. Je visais mon canapé et soudain, mon chat sauta dessus. Alors, par reflex, j’ai appuyé sur le déclencheur. Malheureusement, je n’avais pas eu le temps de faire la mise au point. Je regarde le résultat sur l’écran de l’appareil. Tout est flou, mais l’image me plait. Il y a quelque chose… On ne distingue que des formes et des couleurs. C’est là que mon idée est née.

Le flou, c’est une notion plutôt mal vue en photographie : « Non, mais là, c’est beaucoup trop flou, on ne voit rien, c’est n’importe quoi ». Voilà ce que j’entends, souvent. En fait, pour moi, c’est comme d’entendre « Non mais ce cadrage là, c’est nul, elle sait pas cadrer, quel mauvais film, et la mise au point, non, mais non. ». Ce que j’essaie de dire, en inventant des citations grotesques et vulgaires, c’est que tout n’est qu’une histoire d’intention et de point de vue. Dans mon cas, si j’aime le flou, c’est qu’il permet de se concentrer sur d’autres problématiques que la représentation figurative. J’ai toujours été passionnée par la peinture abstraite de Rothko, des aplats de couleurs non-figuratifs, on y voit « l’infini dans le néant ». Quelle importance qu’il n’y ait aucun personnage ? Ce que le peintre montre c’est une impression, un flash, une seconde suspendue.

J’ai réfléchis à une manière de jouer avec les couleurs. Tout de suite j’ai pensé à la lumière artificielle. En effet, projetée sur une autre surface, elle se reflète et on peut alors multiplier les sources colorées. J’ai également pensé aux vitres et à la buée, cette dernière permet de flouter naturellement une image en brouillant le contenu de l’image. J’ai trouvé mon lieu, à l’extérieur, de nuit. On voit une maison de loin, tout est allumé à l’intérieur. Les spots de la piscine et les spots extérieurs sont en marche, ils se reflètent dans l’eau très bleue. Je me place dans la cabane au fond du jardin, j’ouvre, puis referme la porte, à plusieurs reprises, ce qui créé de la condensation sur la vitre. Je me positionne et prend ma photo à ce moment là. J’ai choisis le cliché ci-dessus après avoir hésité plusieurs fois. Je reconnais les lieux car c’est chez moi, j’en ai l’habitude, et cela me dérange, c’est encore trop figuratif. Sur un autre cliché, il n’y avait pas le cadre et l’image était d’avantage floutée. Mais j’aimais cette idée de mise en abime, d’encadrement, comme si c’était un tableau.

Morgane Kerarvran

Que la lumière soit !

(cc) Soline Testard (26/01/2014)
(cc) Soline Testard (26/01/2014)

Lorsque j’ai entendu la phrase de Méliès, le light painting s’est avéré aussitôt être une évidence. C’était là l’occasion d’utiliser cette technique que je rêvais d’appliquer sans jamais prendre le temps de tester mes idées. Reproduire sur une image fixe la décomposition d’un mouvement offrant ainsi une toute autre vision de la réalité… de la vraie magie !

Pour réaliser cette photo j’ai attendu la nuit pour être dans l’obscurité, puis j’ai éteint toutes les lumières à l’exception de mes rideaux de leds que j’ai mis en boule pour créer cet effet de faisceaux lumineux. Très vite je me suis rendue compte que mes photos étaient floues, alors j’ai rajouté une lumière de fond et j’ai dirigé une lampe en direction de mon visage et une autre sur mon bras pour que ces zones soient nettes. Ma focale était courte, mon diaphragme fermée, la sensibilité à 100 iso et ma vitesse d’obturation à 20 secondes. Pour m’aider, un ami tenait le câble d’alimentation du rideau de leds au dessus de moi et le faisait tournoyer pour créer ce tourbillon lumineux.

L’objectif premier de cette photographie était de créer une forme floue et ronde avec les leds mais j’ai décidé de garder celle-ci car je trouve cet effet bien plus intéressant. Partant de mes mains pour mourir dans l’air, on dirait une petite tornade qui prend de l’ampleur, et on l’imagine continuer de grossir pour imposer de son éclatante beauté. Aussi, le fait d’avoir orienté la lumière de manière précise offre un résultat étonnant mettant en avant les zones éclairées, permettant de ne pas être totalement éclipsée par ma création illuminée.

Soline TESTARD