Archives par mot-clé : corps

Silhouette

(cc) Camille Coquereau (27/01/2015)
(cc) Camille Coquereau (27/01/2015)

Après plusieurs tentatives sur Photoshop pour réaliser ce montage, je me rends à l’évidence : je ne maîtrise pas le logiciel. Les idées sont là mais impossible de les réaliser. Je décide donc de faire mon montage à la main. Les trois photos imprimées, je les découpe, les superpose, essaie de mettre en avant certaines couleurs, certaines formes. Sans pour autant chercher un résultat précis, j’expérimente et laisse libre court à mon imagination.

Au final, je tombe sur ce montage. A l’origine, la silhouette du skateur n’est pas sur la photo, seuls sont présents les éléments que l’on aperçoit à travers lui. Mais en jetant les chutes de papier, je tombe sur la silhouette. Je la place alors au dessus du collage pour voir ce que l’on aperçoit à l’intérieur. Un petit garçon, prêt à s’élancer vers l’avant, dans un univers oppressant, est enfermé dans sa propre silhouette.  Quelques clichés plus tard, je tiens ma photo. Pourquoi m’intéresse t-elle ? Car on ne sait pas où regarder, on ne sait pas si les choses se passent à l’intérieur ou à l’extérieur. Comme si deux univers différents se confrontaient pendant un instant.

Camille Coquereau

Rayons X

OK - Copie
(cc) Clémentine Le Roy (18/11/2014)

 

« Réaliser une photo, en intérieur, à partir de votre environnement proche, personnel, intime : amis, famille, objets, lieu de vie… en vous interrogeant sur ce que cet « environnement personnel » peut raconter à tous ». Ce que je redoutai arriva, plus rapidement que prévu : les mots « personnel », « intime », « proche » dans une même consigne. Les vidéos visionnées en cours sur le travail de certains photographes autour de cette question ne me sont d’aucun secours. Je suis même mal à l’aise devant certains clichés, trop intimes. L’impudeur de certaines scènes me renvoie à ma propre pudeur et me heurte. C’est ce que je suis : maladivement pudique, minutieusement précautionneuse sur les informations que je livre. Et faire l’aveu de ce trait de caractère, c’est déjà douloureux, c’est déjà trop.  Comment, dès lors, montrer ce que l’on ne veut pas montrer et qu’on protège farouchement ? Je réfléchis à l’exercice : je n’éprouve pas de désir à photographier quoi que ce soit. Je dois le faire. La nuance est essentielle et s’en ressent sur le travail final de n’importe quel artiste. Le désir est un élément crucial dans le processus de création : je n’ai encore rien pris, mais je sais que le résultat sera dérisoire. Mais j’essaye de trouver des solutions, des failles, des parades. En relisant la consigne, j’élimine certains termes pour n’en retenir qu’un : le mot « intime ». Je me demande alors jusqu’où on peut aller dans l’intime. En regardant dans le dictionnaire, je trouve cette définition : « qui est à l’intérieur et au plus profond ». À l’intérieur. Puisque je ne veux rien montrer de mon environnement, de ce qui m’est extérieur, alors je montrerai mon intérieur. Mon intérieur qui ne soumettra aucune interrogation, aucun questionnement, qui est à la fois le même pour tous et résolument unique : l’intérieur de mon corps.

Je collectionne les radios et les scanners : la tête, le dos, le poignet, le genou. J’ai presque de quoi reconstituer mon squelette. J’ai la cheville droite en ma possession. Je fais des tentatives à la lumière naturelle, sur ma fenêtre, puis sur une lampe. Je ne sais pas comment prendre la photo, comment constituer mon cadre. Je finis par trouver une solution en scotchant la radio sur le bord de ma bibliothèque et en l’éclairant par derrière avec une petite lampe. On ne voit qu’elle, elle occupe toute la place. Sur l’ordinateur je la recadre pour qu’elle soit droite, et je la mets en noir et blanc, mais la différence avec la photo originale se voit très peu. Les contrastes sont juste un petit peu plus accentués.

Dans la consigne, j’ai choisi les termes qui m’arrangeaient, j’ai platement éliminé ceux qui me dérangeaient. L’objectif principal était de « limiter la casse », en dévoiler le moins possible. Cette photographie fonctionne difficilement sans son texte, je le sais, voire ne fonctionne pas du tout. Ma cheville en vrac ne dit rien de mon environnement personnel, ne suscitera aucun émoi, aucune interrogation particulière, c’est ce que je cherchais. La vérité, c’est que je n’ai pas envie que mon environnement intéresse quelqu’un. Une fois cet article publié, les gens qui l’auront lu sauront que j’ai eu un problème à la cheville droite le 27 juillet 2004, et que cette radio a été faite au « CH de Dz ». Libre à eux de se raconter une histoire avec ça !

Clémentine Le Roy

Entre corps et lumière

Entre corps et lumière. Jonathan Rochier (cc)

Cette vidéo a deux inspirations que j’ai tirées des derniers billets photos réalisés : le corps et la lumière. J’ai souhaité créer une mise en scène abstraite où les deux se mélangent et interagissent ensemble jusqu’à créer du sens.  Dans l’art abstrait, la peinture semble être vivante, comme en mouvement. Les formes et les changements de lumières s’enchaînent dans cette vidéo et j’ai tenté de retranscrire la même dynamique picturale que dans l’art abstrait. C’est le spectateur qui donne du sens à la création, l’auteur n’affirme pas clairement ses intentions.

J’ai utilisé ma caméra devant laquelle j’ai posé de face une lumière de façon à créer un contre jour pour créer un effet de clair-obscur. J’ai mis de la musique et j’ai effectué des mouvements avec des cassures de rythmes, des accélérations et des ralentissements alternés. Cette démarche m’a permis au montage d’apposer les segments de vidéo les uns à la suite des autres, aléatoirement et de ressentir le rythme que le montage entraînait de lui-même. J’ai choisi une musique assez percussive dont les pulsions sont irrégulières et fréquentes de façon à solliciter les liaison de dynamisme avec le montage image.

Organisme Photographiquement Modifié

(cc) Najib Mabchour (04/03/2014)

Mon expérience des photographies intégrées dans mon corps, cela nous donne ma nouvelle identité visuelle : un organisme photographiquement modifié. Dans cet organisme transformé, nous retrouvons l’intégration de cellules photographiques qui permettent un bon fonctionnement de ce nouveau corps. Notamment grâce à l’intégration d’un ADN photo-génétique qui contient des informations, des émotions et des expériences photographiques à jamais intégré dans cet organisme, une mutation visuelle qui a pour fonction principale de stocker l’information photographique dans un corps humain. Il contient trois nouveaux gènes visuels dont un est appelé « Le syndicat a pris des couleurs », l’autre « Ganesh : instant immortalisé » puis le dernier « Seul au milieu de Monopolis ».  Ce mélange nous donne un organisme photo-transgénique.

Cette photographie est ma définition personnelle de l’expérience visuelle. Elle représente toute une expérience personnelle de mon rapport à l’image et à la photographie. Dans ce corps sont représentées les trois anciennes photographies de mes précédents billets. J’ai voulu les incarner dans mon corps, car finalement, chaque photo est une part de nous, de nos pensées et de nos sentiments. C’est cette expérience qui me mène à modifier mon organisme tout entier pour ne faire plus qu’un avec la photographie.

M.N

Electro – gène

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(cc) Alexia DI CIOCCIO (26/01/2104)

Le corps, objet d’inspiration sans limite. Ses formes, ses courbes uniques et spéciales, intriguent et passionnent  notre œil. La peinture puis la photo n’ont eu de cesse de le représenter, afin d’en percer ses mystères. Cette enveloppe corporelle, qui est si chère à l’homme et gardienne de son âme. Le photographie est avant tout un moyen de rendre l’image intemporelle, de ce corps qui ne l’est pas et finira par disparaître. Il est une œuvre d’art changeante, offrant de multiples possibilités de le mettre en valeur, de le transformer, ou encore de le décorer.

L’idée de départ, a été de photographier et de mettre en valeur le corps. Pour cela, j’ai décidé de le décorer en peignant dessus des formes imaginaires. Le concept était le décorer comme n’importe quel autre objet, puis de le photographier. La photo permet de capturer une image, garder l’instant magique. J’ai aussi pensé au fait que notre apparence extérieure n’est rien sans ce qui se trouve à l’intérieur. Il fallait susciter  au regard l’envie de transpercer cette barrière, de regarder à l’intérieur. J’ai décidé pour cela, de représenter un électrocardiogramme avec la technique du light painting, qui consiste à créer une forme dans l’espace, par un mouvement avec de la lumière. Afin de réaliser cet effet, j’ai réduit la vitesse d’obturation mais aussi l’ouverture  du diaphragme. La photo a été prise en intérieur avec deux sources de lumière faible mais suffisante pour éclairer la scène.

Il y a ici un contraste entre modernité et archaïsme. L’électrocardiogramme est la représentation de la technologie, les dessins « indigènes » « tribaux » sont eux la vision d’un monde primitif. Le ventre est à lui seul un symbole, dessiner dessus n’est pas anodin, surtout chez la femme. Il est le berceau de la vie, là où tout commence depuis la nuit des temps. La technologie avance sans cesse, pourtant le fondement même de notre existence repose sur une œuvre de la nature. Nul outil de pointe ne peut remplacer le ventre d’une femme afin de donner la vie.

Alexia DI CIOCCIO