Poupée de cire, poupée de feu

(cc) Chloé Hernandez (11/02/2014)
(cc) Chloé Hernandez (11/02/2014)

En regardant le travail d’Alain Fleischer beaucoup d’interrogations me venaient en tête. La photographie conceptuelle gardait pour moi ses mystères. L’idée d’aborder la photographie sous cet angle m’inspirait et m’intriguait. Alain Fleischer utilisait des jouets dans quelques unes de ses œuvres, j’ai donc décidé de reprendre cet objet comme ligne conductrice entre nos travaux.  Mon choix se porta sur une ballerine, dont la possibilité des mouvements me semblait intéressante pour ma composition. J’imaginais le personnage les bras levés et la jambe jetée en arrière, de façon à jouer avec la géométrie des formes.  Concernant l’ambiance, le cadre dans lequel je souhaitais le placer, il me fallait une lumière douce et chaleureuse, presque intime. Quoi de mieux que des bougies ? Chandelles et chauffe-plat ont été placées en cercle autour de la danseuse. Je voulais jouer sur le temps de pause et profiter de l’effet de reproduction et de superposition que les flous de mouvements apportent, dans le but de susciter l’interrogation et amener un aspect mystérieux à la photographie.

Une fois mes éléments placés de façon assez géométrique sur mon support, j’ai installé mon reflex sur un trépied en plongé, plaçant le spectateur au dessus de la scène qui se déroule devant lui. L’unique source de lumière provenait de la lueur des bougies, pour garder cette volonté d’univers doux et préservé. Ma distance focale fixée à 55mm, j’ai basculé mon appareil en mode manuel, fermé au maximum mon diaphragme sur f/22 et réglé le temps de pause à trente secondes. Un temps véritablement long mais nécessaire pour la réalisation de mes envies. Toutes les dix secondes (ou presque), je me suis déplacée avec mon trépied et fait le tour de la table, jusqu’à que la photo se prenne. Les flous de mes mouvements donnaient une certaine allure à la lumière des bougies, qui se transformait en faisceaux lumineux, à la manière du light painting. Chaque changement d’angle de vue accentuait la multiplication des bougies mais aussi de la ballerine, qui apparaissait à différents endroits sur l’image. Cependant, la liaison des faisceaux lumineux semblait à force, créer trop de confusion à l’ensemble visuel. J’ai donc choisi, au lieu de déplacer l’appareil, de simplement faire pivoter l’axe horizontalement et de modifier le zoom pendant la prise de vue. Les rayons lumineux alors sont devenus plus ordonnés et géométriques. En modifiant les déplacements, l’image s’est structurée en accrochant le regard sur des lignes verticales et horizontales.

La photographie conceptuelle relève-t-elle toujours de la réflexion ? Pour ma part l’idée était là, mais je n’avais pas le résultat fini en tête. C’est en effectuant plusieurs clichés et modifiant mes intentions de départ que j’ai pu arriver à ce résultat. Les premières images reflétaient ma première pensée mais la confusion lumineuse commençait à nuire à la photographie. En choisissant de bouger l’angle de vue sans déplacer l’appareil, des mini espaces  géométriques se sont créées dans la photo. Une barrière de lumière, qui emprisonne la danseuse dans un espace limité de l’image. Le flou présent sur le bas de son corps lui donne un aspect fantomatique, telle une âme errante, suivant le chemin de lumière dessiné par les bougies.

Chloé Hernandez

La narcisse et l’inconnue

(cc) Florence Delavaud (09/02/2014)
(cc) Florence Delavaud (09/02/2014)

Image ordinaire, le portrait n’a cessé d’être réinventé depuis l’histoire de la photographie. Portraits de famille, de face, de dos, pour la postérité ou pour laisser un souvenir intime à quelqu’un de cher, la représentation n’a rien d’original. L’autoportrait suscita chez Baudelaire un certain dégoût, précurseur de ceux qui critique notre société de l’image et du réseau social tout puissant :  » société immonde qui se rua, comme un seul Narcisse, pour contempler sa triviale image sur le métal ». Pourtant, pour réaliser un exercice de trompe l’œil, je trouve le portrait fascinant, car il amène un jeu de cache-cache, pose l’éternelle question de l’identité.

Juchée dans la salle de bain, je me tords dans tous les sens, un appareil dans une main, un miroir argenté dans l’autre. Jeu de reflets, je voudrais prendre en photo les miroirs imbriqués les uns dans les autres, en mise en abîme. L’exercice tourne court, c’est trop évident. L’appareil est trop visible, on comprend immédiatement quelle image est l’originale et d’où viennent les reflets. Je fais des essais en fixant un collant sur l’objectif, ce qui amène un effet granuleux à l’image. Mais la luminosité n’est pas suffisante, je renonce et me contorsionne à nouveau.

Finalement, en triant, je choisis une photo énigmatique. La duplication de l’image donne une impression de mouvement, d’autant que l’expression d’une face du miroir à l’autre semble différente. Ce portrait, voilé par le trompe l’œil du miroir, et du collant sur l’objectif, en est t’il toujours un ?  Je découvre non pas un narcisse mais une inconnue.

Florence Delavaud

Les limites du fanatisme

Gabriel Feuvrier [09/02/2014]
Gabriel Feuvrier [09/02/2014]

Comme j’aime beaucoup raconter ma vie à tout le monde hors d’un contexte qui s’y prête, quand d’autres soucis ou d’autres exigences surviennent, ou quand tout le monde est présent mais personne ne m’écoute, j’ai encore réalisé un billet photo sur un membre de ma famille. Je pourrais en faire cinquante. L’avant-dernière fois, c’est-à-dire lors du billet six, j’avais amoureusement évoqué ma petite sœur. Cette fois-ci, je m’intéresse à mon cousin. Il s’agit d’un vrai cousin, pas d’un pote avec une casquette, bien que ce cousin-là ait une casquette quand même en temps normal. Non, celui-ci est bien un vrai cousin, c’est-à-dire le fils de la sœur de mon père. Nous sommes des fans au sens de fanatiques de Star Wars. Quand je dis fanatique, j’entends des personnes capables de s’aligner les six épisodes en HD de la saga en un week-end et en buvant de la « despé » pour faire plus Mexicain (le blasphématoire épisode VII se tournerait au Nouveau-Mexique) et en mangeant des nachos si succulents qu’ils n’ont absolument rien à faire dans ce paragraphe. Peut-être le suivant s’il s’agissait d’expliquer les traces sur le miroir. A l’issu d’un tel marathon, on a généralement les yeux plus rouges que le sabre de Dark Vador. Mais on se dit naturellement : « oh ! Je vais faire mon billet sur Star Wars ! Non mieux, je vais faire mon billet sur la passion qu’on a pour Star Wars ! Non ! Encore mieux ! Je vais faire mon billet sur la mise en scène de l’expression de mon fanatisme pour Star Wars, et en plus, Mickaël (mon cousin s’appelle Mickaël) tu tiendras un sabrolaser (les fans ne disent pas sabre laser, ils disent sabrolaser, comme Obi-Wan Kenobi dans l’épisode IV). L’idée l’a enchanté. Je voulais qu’on se mette en scène et qu’on s’amuse.

J’ai donc fait quelques essais en me posant des questions plus sérieuses. La consigne nous permettait d’avoir une marge de manœuvre relativement importante. La problématique de la mise en scène était relativement simple. En effet, positionner quelqu’un et lui dire de tenir un manche à balai en guise de sabre, c’est déjà façonner le réel et donc mettre en scène. Le jeu de miroir était plus complexe. En pratique, mon appartement est rempli de miroirs. Dans ma chambre, une large glace couvre toute la largeur de mon mur. En théorie, en revanche, il fallait savoir comment l’utiliser de manière intelligente et pas artificielle. Malheureusement, une mise en garde résonnait dans ma tête pendant que je m’attelais à la tâche. « Le light-painting, c’est un peu facile. » C’était évident… Mais le light-painting dans un miroir, hein ? Ça n’a pas qu’un avantage rhétorique. En réalité, le miroir permet d’absorber une certaine quantité de lumière, de ne faire ressortir que les zones de lumières intéressantes et de dissimuler une partie des autres. Pour le sabre, j’ai mis un manche à balai dans les mains de mon cousin et j’ai tracé la ligne avec la torche de mon téléphone. Mon autre coloc éclairait son visage à l’aide d’une autre torche.

Le résultat ne m’a pas réellement convaincu mais l’exercice était intriguant. Je n’avais jamais fait de light-painting auparavant. La ligne du sabrolaser n’est donc pas très droite. Le bout provoque un flare qui gêne le regard. Néanmoins, les traces de nettoyage du miroir qui me dérangeaient au début se sont révélées utiles. Elles ont accentué le relief de la photo et mis en valeur mon cousin. Son air méchant est souligné par l’éclairage du sabre qui provient en réalité d’une autre source. Celle de la Force.

Gabriel Feuvrier

 

Dansorama

Sarah Vasseur (09/02/2014)
Sarah Vasseur (09/02/2014)

La danse est un ensemble de mouvements complets, complexes, et pourtant, nous ne la voyons toujours que de façon linéaire. D’ailleurs, n’utilise-t-on pas les termes d’enchaînement chorégraphique ? Notre vision nous limite à découvrir les choses les unes après les autres, sans que celles-ci ne semblent pouvoir se manifester toutes en même temps à nos yeux. Nous pouvons saisir une cohérence d’ensemble, mais jamais voir tous les mouvements en même temps. Je pratique la danse depuis plusieurs années maintenant, et cela m’a porté vers cette photo. Une photo qui tente de montrer et de voir tous les mouvements de la danse en même temps. Mais aussi de montrer que la danse est aussi quelque chose de volatile, de fluide, de doux, qui laisse une trace, mais jamais ne peut se saisir. La danse est une oeuvre d’art éphémère, que l’on ne peut saisir ou posséder.

Des mouvements, des cadrages, des jeux de lumières, des essais de position…

Finalement, le résultat n’est pas vraiment celui que j’escomptais. Apparait plutôt comme un fantôme mouvant. On ne reconnaît pas forcément la décomposition de mouvements de danse, mais on retrouve la fluidité et la légèreté que je recherchais. L’aspect fantomatique et les contrastes de lumières entre le noir et le blanc créent une forme informe, éphémère, et donc à l’image de la danse.

Sarah Vasseur.

 

Sur la route

(cc) Manon Harsigny (09/02/2014)
(cc) Manon Harsigny (09/02/2014)

Sur le chemin de retour de la montagne, je peine à garder l’oeil ouvert. La route défile toujours plus monotone et m’éblouit dès qu’une autre voiture croise notre chemin. Je suis sur le point de m’endormir mais les irrégularités de la chaussée ne cessent de me tirer de ma torpeur. Mon amie au volant paraît également hypnotisée par cette double voie sans fin. Elle semble tracer la route au fur et à mesure de sa progression, ses phares la dessinent à chaque mètre franchi et seconde écoulée. Lorsque je m’attarde sur son regard, je distingue la route se réfléchir dans ses yeux et éclairer le haut de son visage. Les lumières tantôt rouges, tantôt jaunes clignotent sur sa peau au gré du voyage.

J’ai souhaité rendre compte de cette épilepsie hébétante à travers une photographie conceptuelle. J’ai ainsi sorti mon bridge et ai commencé à varier la vitesse d’obturation ainsi que la focale pour faire apparaître la route sur le capteur. Cinq secondes suffisent amplement à la dessiner et à outrepasser l’obscurité nocturne. Je désire ajouter à cette couche de route claire, le visage de mon amie qui tient le volant depuis déjà plus de deux heures. C’est donc à l’aveugle que je fixe mon objectif sur elle d’abord quelques secondes puis 10 et finis par réimprimer l’autoroute durant les 3 secondes restantes. J’intervertis ensuite le mécanisme en me focalisant en premier lieu sur la route puis plus longuement sur ma conductrice. Son visage est parfois trop centré, je m’efforce alors de la faire apparaître, toujours à l’aveugle, dans la moitié gauche de la photo afin d’aligner la voie sur son regard. J’y ajoute un mouvement latéral un peu saccadé et les lignes se dessinent, plus irrégulières. Je m’exalte à chaque prise de vue ! Je ne prends plus une photo en me fiant à l’aperçu du viseur mais j’anticipe un rendu incertain selon le temps d’exposition, mes gestes, le passage des voitures et les tremblements de l’autoroute.

J’ai longuement hésité sur le choix de la photo exprimant le mieux cette expérience de photographie nomade nocturne. J’ai finalement opté pour l’une des plus sobres du lot afin de rendre compte plus sincèrement de mon état de semi-veille hypnotique. Ici le visage de mon amie apparaît flou, spectral, il surplombe la voie et pointe son regard vers l’horizon. Plus clair en haut, il s’efface ensuite pour laisser place à la route lumineuse. Ses lignes initialement droites deviennent irrégulières vers un point de fuite invisible. Elles symbolisent à mes yeux la fatigue de la conductrice qui, peinant à distinguer la route lointaine, voit sa vision se dédoubler et se troubler là où l’obscurité de la nuit se heurte à la clarté de la chaussée. Cette juxtaposition de plans horizontaux contrastés pourrait d’ailleurs donner à voir un clignement de paupière révélateur d’un sommeil menaçant. Les rayons lumineux semblant émaner des yeux de la figure féminine illustrent la focalisation de son regard sur l’horizon et évoquent les tracés de la route, ils instaurent un parallèle entre les yeux de la conductrice et les phares de sa voiture. Ces rayons aux allures de sommets montagneux accompagnent notre regard dans la photo, soulignant ainsi un sens de lecture naturel en « Z ». Il part du visage de profil, se perd dans l’obscurité et se recentre sur la route qui s’échappe. La pose longue a permis de mettre en valeur ce défilement spatial et temporel en imprimant notamment sur le capteur l’image multiple du panneau de signalisation. La différence d’échelle entre le visage et la route marque l’étrangeté du cliché et suppose soit l’existence d’un reflet dans le pare-brise soit une imbrication de plans plus travaillée, exprimant dans les deux cas l’impression fantomatique d’un rêve itinérant.

Manon H.